ゴスペルを歌う

発声に重点を置いてレッスンするときには、たいがいメロウな、ゆったりとした曲を使うことが多いのですが、

時にはテンポの早い、また言葉数も多く、忙しい歌を歌うこともありますよね。そういう曲は、正直、発声の細かいことを意識して歌っている余裕はありません。

（はい、私も同じく、です。。）

テンポの早い曲、言葉数の多い曲は、歌えたらかっこいいですが、やはり、けっこう難しいものですよね。どうしても曲についていこうとして、焦ってしまい、安定性に欠ける歌になりがちです。しかし、ちょっと視点を変えて曲を捉えると、そういった焦った感を感じなくとも、スムーズに歌うことができるようになります。

まず、からだがしっかりとその曲のテンポを刻むことができていれば、歌はそれに乗っかって歌うだけでいいので、歌の安定感が格段に違ってきます。またそれにともなって余裕も出てくれば、あせって歌うよりももっと声が出しやすくなるはずです。

ということで、今回は速いテンポの曲を歌うための、オススメの練習方法をご紹介します。

テンポの速い曲は、どうリズムを捉えるかがキー

まず、テンポの早い曲は、どうリズムをからだでとるか、が、鍵となります。

からだでリズムを感じる、という練習は以前とりあげましたので、そちらを参考にしてみて下さい。

自分の課題としている速い曲、まずは曲のリズムをからだで感じるように、曲に合わせてからだを動かしてみましょう。

｜１，２，３，４　｜　２，２，３，４ ｜・・・

まずは、どちらか片足でけっこうですので、つま先でタップして、リズムを確認します。

確認できたら、からだをそのリズムに合わせて左右にゆらしてみます。

左、右、左、右、
１，２，３，４

慣れるまで、この左右を続けてみて下さい。

わかりやすいように、ここでは数字を入れていますが、あまりかっちりとはリズムを捉えたくないので、数は数えなくていいです、ただ曲を聞いて、感じたままに左右にからだをゆらしてください。

それに慣れてきたら、そのテンポを倍の長さで取ってみます。

具体的には、同じテンポのまま、このようなからだの動きになります。

左、左、右、右
１，２，３，４，

このからだの動きに合わせて、からだを上下に少しバウンスさせながら、リズムをとってみて下さい。からだのバウンスでなくとも、頭を前後に少しゆらす程度でも、リズムを感じることができますね。

最初の、一拍ごとに左、右、とやっていた時よりも、忙しくなく、少しゆったりめにリズムを感じられるんじゃないでしょうか。そのテンポにからだがリラックスできるまで、この動きを続けてみて下さい。

リズムは縦よりも横に感じよう

からだの動きにバウンスを加えることによって、以前にも取り上げた、グルーブ感というのが感じられるようになってきます。

バウンスをからだで感じながら、左右にからだを揺らせる時に、こんな風にイメージしてみて下さい。

からだが左に行った時には、左側にからだが引っ張られている・・

ぎりぎりまで左側に引っ張られていて・・

その反動で右側に移動、右側にからだが引っ張られて、その反動で・・

また左に戻る・・みたいな感じでしょうか。。

言葉で表現すると、粘っこいリズム、とでも言いましょうか。。

リズムは決して直線じゃないし、数字では割り切れない、曲線を常に描いている、そんなカンジがするんですよね。それがグルーブ感につながるんだと思うのです。

まぁ、このリズムの感じ方も人それぞれがあると思いますので、それはご自由に感じていただきつつ、

まずは、速いテンポであればあるほど、リズムを大きくとらえていく、からだでその大きなリズムを感じながら動けるようになると、焦らなくても歌はついていくことができます。

からだが慣れてきたら、言葉をそのリズムに合わせる

からだがその曲のリズムを捕らえることができたら、今度はそのリズムに歌詞のリズムを乗せていく練習です。

まずは歌詞のみ、メロディーを付けず、言葉のリズムを感じながら読んでみて下さい。テンポが早すぎるならばゆっくりから始めましょう。そして先ほどやった、からだでリズムを刻みつつ、歌詞をそのリズムに合わせながら読んでいきましょう。言いにくい所はそこだけ繰り返し練習して、口が慣れるまでやってみてください。

そして、それにも慣れてきたら、最終的にメロディーを付けて歌ってみます。

歌でリズムを取ろうとせず、からだでリズムを取って、そのリズムの上に歌を乗っけるような気持ちで歌ってみて下さい。絶対に、歌の安定感が変わってきますよ。

グルーヴ、と一言で言っても、人によっていろいろと捉え方があるようです。ドラムの人が感じるグルーヴと、ギターの人が感じるグルーヴ、ピアニストが感じるグルーヴ、やっぱりそれぞれあるのかもしれません。

（グルーヴと聞いて・・・Earth wind and fire を思い出した人！私と同世代ですね（笑））

と、ここで、Wikipediaではグルーブをどのように言っているのか、見てみましょうか。

“グルーヴ（groove）とは音楽用語のひとつ。形容詞はグルーヴィー（groovy）。ある種の高揚感を指す言葉であるが、具体的な定義は決まっていない。語源は（アナログ）レコード盤の音楽を記録した溝を指す言葉で[1]、波、うねりの感じからジャズ、レゲエ、ソウルなどブラックミュージックの音楽・演奏を表現する言葉に転じた言葉である。現在は、素晴らしい演奏を表す言葉の1つとして、ポピュラー音楽全般で用いられる。
グルーヴを構成する要素としてはリズムやテンポ、シンコペーション、アーティキュレーションなどが挙げられ、主にリズム体（ベース、ドラムス、パーカッションなど）を対象とした概念である（例：グルーヴィーなドラミング、など）。「ノリ」（乗り）を表す言葉である。ジャンルによって感じるグルーヴは様々で、グルーヴ感の会得は、演奏者にとって必要不可欠な要素のひとつである。”

https://ja.wikipedia.org/wiki/グルーヴ

ということで、やはり・・・具体的な定義は決まってないんですね〜。でも、音楽にはこのグルーヴ感はなくてはならない存在です。機械には出せない、それぞれ特有の特徴を表すことができるのも、このグルーヴ感があるかどうか、だとも言えると思います。

いずれにしても、リズムを生み出す楽器に関して、特にこの”グルーヴ感”という言葉が当てはまりそうですね。

ここでは特に、歌う時に感じるグルーヴ、というのを中心に、私が個人的に感じている観点で、見ていきたいと思います。

私は、実はもともとバンドでドラムを叩いて演奏していました。ですので、リズムには結構うるさい方だと思います（笑）

グルーヴはバスケットボールのドリブル（のイメージで）

歌は、基本的にメロディーなので、音楽の構造から言ったら「ウワモノ」なのですが、やはり歌がリズムを感じているのとそうでないのとでは、その音楽全体が、全然違う仕上がりになってしまうわけですね。

逆に言えば、歌のメロディーと、言葉のリズム、息継ぎの息遣いでグルーブ感を表すことが可能だと思っています。

で、私が感じているグルーブ感というのは・・・形で言うと、円、もっと具体的に言うと、縦長の楕円形です。

例えば、バスケットボールをドリブルしている時、ボールが地面にヒットする時に速度が速まり、その反動でボールは中に上がっていくわけですが、その上に上がっている時の速度は少しゆっくりになりますよね・・・そんなイメージなんです。

そしてドリブルを続けている限り、ボールが地面にヒットする感覚は一定で、その音もリズムを刻んでますよね。

そのリズム、地面にヒットする音と音の間にもボールは空中にあり、目にも見えています、当たり前ですがボールは消えはしません。ボールが上下に動きながら一定のリズムを刻んでいる。

同じようにリズムは音と音のあいだにも存在していて、もっと具体的に言うと、一拍と一拍のその間という事になりますが、そのヒットしている点と点だけではなく、点と点のあいだの感覚をしっかりと感じるのがグルーヴだと思ってるんです。

そして、その一拍と一拍の間の線というのは、決して直線ではなく、曲線で、しかも一定のリズムを刻んでいるので、それが楕円という形になって、途切れることなくずっとリズムは続いていく・・そんなイメージがあります。

感じていればグルーヴが歌に自然と表れてくる

歌にグルーヴ感が出てくると、曲全体の「躍動感」がさらに増します！伴奏だけじゃない、歌も一緒にグルーブを感じ取り、それにしっかり乗っかっていれば、全体のグルーヴ感をさらにイキイキとしたものにします。

しかもウワモノですから、音楽の構造としては最前線に歌は来るわけです。歌がその曲のストーリーを作っていきますから、曲全体がただの音の集まり、から、メッセージ性をもった生きたものになっていくわけですね。

と言っても、実際に歌っているときにはほとんど何も考えず、歌っていることのほうが多いのですが。。（汗）

自分のからだで、まずは感じてみよう

ということで、まずは自分のからだでリズムを感じるようにしてみましょう。

先の記事で、からだでリズムを刻むために、音楽に合わせて足で踏んでいただいた4分音符。この4分音符を点、ではなく、ぎゅーっと地面を踏みつけてもらうことによって、そのステップ＝点から、次のステップの点にいたるまでの間を感じてほしくて、ぎゅーっと踏みつけてもらいました。

音符と音符との間の空間、これをなるべく大きくとらえていくことが、グルーブ感を生み出すポイントだと思います。そんなことを考えながら感じながら、リズムをからだで刻んでみて下さい。

ゴスペルをある程度の人数で歌う場合、もちろん技術的な歌い方も大切ですが、その前に一番大切なのは、そのグループ全体が、一つの声として聞こえている、ということです。ここをおそろかにしてはいけません。

複数の人数が、みんなばらばらで、声が突き出てしまう人が何人かいる、というのは、なんともサウンドしづらい状態なのです。

これを、突き出ている人たちを個別に特定して、「もう少し小さくして」という事も可能ですが、そのように「重箱の隅をつつくような」やり方ですと、今度は歌っている側が、どんどん萎縮してしまう・・・という残念な結果になってしまうかもしれません。。

でも、この問題は特に、自主で練習を重ねているグループには切実な問題だと思います。

こんな時、どのように練習をしたら良いのか、そのポイントをまとめてみましょう。

クワイヤの各パートで、まずサウンドを作りましょう

私がよく、練習の時に使う方法があります。

メンバーで輪になって歌う、という方法です。お互いの顔も見れますし、声もお互い聞きやすくなりますね。

全体でいきなり、というと、大変になってしまうので、まずはパートごとに、ソプラノ、アルト、テナーそれぞれで輪になって歌ってみましょう。このときは全体で合わせる必要がありません、その各パートで合わせればOKです。

私の指導する際には、これを全てのグループが同じ空間で同時進行で行ってしまいますが、これはかなり大変です。

もし場所的に余裕があれば、互いの声がじゃましないように、別の部屋、もしくは少し離れた場所へそれぞれ移動する方がいいですね。

あるいはパート練習のための日を別に設けてもいいかもしれません。

そのパートメンバーで歌う時に、輪になって、まず、みんなの声をその輪の中心に集めるように個々人が意識してみて下さい。互いの声が、折り重なっている状態をイメージすると、よりわかりやすいと思います。

そのとき、互いの声をしっかり聞くよう意識して、自分の声が周りにブレンドするように歌ってみましょう。これは声を小さく、という意味ではありません、周りにうまく混ざるように意識すると、自然と歌い方も変わってくるはずです。

次に、全体で一つの輪を作って歌ってみる

パートごとに声が一つに固まってきたら、今度は全体で同じように作っていきます。

余裕があれば、全体で輪になりましょう。余裕がなければ、2〜3列になって半円になってもいいですね。とにかくお互いの声が聞こえる体制を作ります。

そしてその声を、全体で1箇所に集めるようにして歌ってみて下さい。大きな輪なら、輪の中心、半円ならば、半円の中心です。

半円ですと、例えばコンサートの時など、舞台で歌う場合でもこのやり方で歌えますね。

今度は、お互いの別のパート同士で、同じように声を混ぜるようにして歌ってみます。どこかのパートが突出して大きな場合は、こうして歌うとすぐにわかります。

また自分のパートを歌っていながら他のパートが聞こえない場合は、パートの数を減らしてみましょう。聞こえないパートと自分たちのパートの二声で、まず合わせてみる、そして互いに聞こえるようになってきたら全体を合わせて、もう一度確認するといいでしょう。

メンバーの誰かが、音頭を取って行きましょう

このような、自主的な練習ですと、パートごとになった時に、みんな、誰かが声をかけてくれるのを待ってしまいがちですね。そうなると、ずっと待ったままになってしまえば、例えば限られた時間であれば、大変な時間的ロスになってしまいます。

ここではぜひ、誰か慣れている人、音頭を取ることが得意な方が率先して声をかけてください。また、パートリーダーがいれば、リーダーの方がどんどんメンバーを引っ張っていきましょう。

パートごとの連帯が強まれば、クワイや全体の力量がどんどん底上げされていきますよ！

サウンドが一つになった時に、互いの心の距離が縮まります

こうして全体が一致すると、言葉も自然に一致します。大人数が全体で一つの声、一つの言葉となっていくと、心に余裕が出てきて、その曲の歌詞の意味もどんどん明確になっていきます。そうなると、歌っている言葉の重みが違ってきますね。

歌詞の意味を、歌を通して、メロディーを通して、全体が共有していることになります。

そうなれば、声だけでなく、歌っているその気持まで一つになっていくでしょう。そうなると、その歌声の響きはどれだけ深みを増すか・・それは計り知れませんね。

こうなった時に、メッセージがメッセージなだけに、ゴスペルの歌というのは大きな大きな力を持つようになるんですね。

歌詞カードだけがゆいいつの資料

私が一番最初にゴスペルを体験したのは、1995年、東京にある横田空軍基地の中にある教会でした。

会場に入ると渡されたのは歌詞カードのみ、譜面は一切ありませんでした。そしてその場で、ディレクターである女性の牧師さんが、小柄ながら力強い声で各パートのメロディーを歌い、私たちは聞いたそのままを、歌詞カードを見ながら何度か歌って、その場で聞いたメロディーを耳で覚えながら進めていく、という方法でした。

私にとっては初めてのことで、最初はただ周りの人のまねをしながら付いていくのに必死でしたが、流れがわかってきたら、ついていくのもだんだん慣れていきました。

期間は1週間ほどありましたが、後半になると、もうだいたいの課題曲はみな歌えるようになっているわけですが、曲に会衆が慣れてくれば来るほど、その曲の意味していること、またはちなんだエピソードなど、話しや歌う上での心づもりみたいな事が、どんどん指導者によって与えられるわけですね。そうやって歌うだけじゃなくて、気持ちの面でもだんだん指導者と会衆が一緒になってくると、その指導者の感じている空気によって、同じ課題曲でも構成がその時によって変わっていくのです、それも自然な流れで。

バックで演奏しているミュージシャンもそこらへんは心得ていて、いとも簡単に、自然な流れで演奏を合わせていました。そこに、「譜面」という枠組みはもちろんありません。

歌詞だけのほうがベターです

その後、今度私が指導する立場になっても、同じやり方で指導するようになりました。

譜面は基本的にメンバーには渡しません、歌詞のみです。私が最初戸惑ったように、このやり方に戸惑う人も少なくないと思いますが、慣れてくると、このやり方が一番早くて、覚えると忘れないのです。次第に歌詞も見ないで歌えるようになります。

逆に譜面で覚えると、不思議と、譜面がないと歌えない、という状況になってしまうんですね。さらに譜面が長く長くなってしまうと、今度は譜面をフォローするだけで忙しくなってしまい、曲の全体像も見ることが難しいんじゃないかな、と思います。そうなると、指導者と気持ちの共有するのはもっと難しいですよね。

演奏中どこにでも行けるフレキシブルさが重要

また、ミュージシャンがいる場合、ミュージシャンもその場で、指揮者の指揮に対応するために、つねに指揮者を見てもらっている必要があるのですが、これが譜面どおりに行く（はずだ！）、という前提ですと、そこのコミュニケーションがうまく図れず、うまくいきません。譜面ではこういう指示となっているから、ちがう構成になったら対応できない、という状況になってしまうんですね。

しかし、ゴスペルとはスピリチュアルな要素が大きくある音楽なので、指揮者や歌い手、その歌われている会場のその場の雰囲気や流れ、次第な部分が重要なのです。

構成が最初からばっちり決まっていて、あまりそういった「あそび」の部分がない曲や、カラオケを使う場合などは問題ないのですが、

例えば、この箇所をもう一回繰り返したい、この箇所にもう一回戻りたい、この箇所は歌を休んで楽器だけにして、歌い手は静まりたい、または、エンディングの繰り返しの回数を決めずに、指揮者のキューで終わりにしたい、という、その場の流れでどこにでも行けるようなフレキシブルさが、時に必要なのですね。そこの理解がないと、なかなか譜面通りには行かないゴスペルを一緒に演奏するのは難しいのです。

クワイヤは、常に指揮者を見て、その指揮で歌がどのように進んでいくのかを見ることが簡単にできるので、あまり問題ないのですが、楽器の演奏者がいる場合は、特に気をつけて、この内容を伝えないと、演奏中の意思疎通は難しいです。

盛り上がる所、盛り下がる所、何をフューチャーさせたいのか、はたまたなぜここで静まりたいのか、という感情の流れをくんでくれるミュージシャンというのは、なかなか難しいところがあります。

そういう意味で、”あうん”の呼吸でできる、言わなくてもわかってくれるミュージシャン、というのは本当に貴重です。長年一緒にやってきて、失敗もいろいろ積み重ねながらやってきたミュージシャンとの演奏は、なにより安堵感、安心感が違いますね。

譜面は基本的なインフォメーションにすぎない

譜面は、ある程度の基本的なインフォメーションに過ぎず、出たとこ勝負で、演奏がいったん始まってしまったら、その場の流れを読んで、指揮者の出したサイン次第でどうにでも形が変わっていく、というスタイルは、ゴスペル特有のことかな、と思いますし、その要素を理解してくれるミュージシャン、シンガーは本当に貴重です。

ゴスペルを演奏したことのあるミュージシャンの方々、あなたはとても貴重な存在ですよ！

ゴスペル界ではとても有名な、リチャード・スモールウッドさん、という、ゴスペルミュージシャンがおられます。ご自身作詞作曲した楽曲でCDを何枚もリリースしていて、ご自身のクワイヤを持ち、そのクワイヤと共にコンサート活動も精力的に行っています。

彼が作るゴスペル曲は、クラッシックのエッセンスがベースにあり、彼の代表作とも言えると思いますが「Total Praise」という曲はとても有名で、日本でもたくさんのクワイヤが歌っていますよね。

彼の楽曲はそのコーラスワークや、ご自身が弾かれるピアノの美しいメロディアスな旋律が印象に残る曲ばかりです。

ニュージャージーの教会で行われたワークショップ

実は私、5年ほど前になりますでしょうか、そのリチャードさんの指導するゴスペルのワークショップに参加したことがあります。場所はニュージャージーにある教会で、バスを乗り継いで、かなりの時間をかけてやっと教会にたどり着いた覚えがあります。3日間ほどの期間で、最後の日にはコンサート、というスケジュールでした。

彼のワークショップは常に、彼のお付きのミュージシャンがいました、その中にはピアニストも含まれます。ご本人がずっとピアノを演奏しつつ教えるのか、と思ったら、そうではないのですね。

そして、そのピアニストの人は、ワークショップ中、どんな時もず〜っとピアノを即興で弾いていまして、そんなピアノ演奏が流れる中で、彼はいろいろな話をして、話をしつつ曲を指導する、というスタイルでした。その話しの内容によって、また話の流れによってピアノが即興で演奏されているわけです。もちろん譜面なんか使いません。それもとても自然な流れで、私たち会衆をほどよくリラックスさせてくれ、また集中させてくれましたね。

ゴスペルは決まり事がなく、その場のスピリット次第

こういったスタイル、というか、その場の雰囲気の流れに任せる、というようなやり方は、黒人教会の牧師がメッセージする際にもよく見られることなんです。

ここまでずっと伴奏が流れているわけではありませんが、例えば、礼拝でされるメッセージが、いよいよ終盤に近づき、盛り上がってきて、口調もかなり激しく、白熱してくると、すかさず、オルガンやバンドの演奏がそのメッセージをさらに盛り上げるがごとくに、合いの手を入れる感じで、♫ジャーン！と演奏します。そのタイミングは絶妙で、まるで何かのコンサートを聞いているような雰囲気です。

牧師のメッセージも、バンドの音が入って来るとだんだんメロディーをおびてくるようになり、さらに会衆もそれに乗っかってどんどん盛り上がります。

（聞いた話では、その牧師によってキーが決まっているんだそうですが）

やはり、彼らの文化である音楽とリズム、というのは、今でもしっかり教会に根付いている、なくてはならない要素なんですね。

もちろん全ての黒人教会がそうだ、というわけではありませんが、よくよく頻繁に見られる光景です。感じたままを素直に声にからだに表現できる彼らの文化、カルチャーゆえ、なのかもしれませんね。

自然発生的に歌いだしたTotal Praiseに涙。。

さて、リチャードさんのワークショップの話に戻りますが、そのワークショップでは、最初にご紹介した、彼の超有名な曲であるTotal Praiseは課題曲ではなかったんですが、

しかしあまりにも有名な曲で、特に黒人教会の中では定番中の定番、誰でも知っている曲なので、何かの話の流れで、いきなりこの曲が始まり、全員で歌い始めました。。この曲を知っていた私ももちろん歌いました。

あまりにも自然な流れで、しかも作者本人の指揮でこの曲を歌う、という、あまりにも光栄な出来事に、私は涙を止めることができませんでした。。歌詞の言葉の力強い内容、そして最後に、その歌詞に呼応するように歌われる、アーメン、アーメンというコーラス（アーメンとは、そのとおり、同意しますの意味）に、今までそのワークショップに不安になりながらもバスに揺られながら通った思い、日本人たったひとりでその会場にいる、という孤独感、周りの人たちとなかなかうまくいかないコミュニケーションなど、それまでのストレスが全て報われたような思いがしました。

今でも最後のアーメンコーラスは、心のなかで響いています。

クワイヤの活動を続けていく際に、やっぱり必要だな〜と思うのがパートリーダーの存在です。不定期に年に1〜2回、というのなら必要ないかもしれませんが、ある程度定期的に活動を続けているクワイヤには、必要かな、と思います。

もし可能であれば、パートリーダーを誰か各パートに一人、ないしは2人立てるといいと思います。誰かが責任を持って、そのパートのメロディーを率先して覚え、分からない人に教えてあげられるように、という意味でのポジションです。

大規模なワークショップではリーダーたちが大活躍

私が昔、アメリカの大きなワークショップに参加した時、それはそれは大きな会場でした。クワイヤのメンバーも全体できっと1000人とかそれ以上の規模のクワイヤだったと思います。その全員が、その場で一斉に曲を習うというシチュエーションです。

そのワークショップ期間の最後にはレコーディングが予定されており、全部で10曲以上ある新曲を、その決められた期間で仕上げなければいけないのです。

その会場にはずらっと椅子が並べられていて、それが各セクションごとに分かれているんですが、そのセクションの間間に通路が設けられていて、人が通れるようになっているわけですね。その通路に何人か立っている人がいて、練習中も立ったまま一緒に歌っているんですよ。

私は最初、なんでこの人達は立ってるのかな〜と思ったんですが、それはそのパートごとに、そのメロディーを知っていて、すでに歌える人たち、パートリーダーたちだったわけですね。彼らが一緒に歌ってくれることによって、私たち会衆が迷わず、早くメロディーを覚えられるようにしてくれてたんです。わからないところも、彼らに聞けばすぐ教えてくれました。

時間が限られている中で、指導者は一人だけ、その一人で1000人ものクワイヤを相手に教えていても、なかなか進まないですが、こうやってパートごとに引っ張ってくれる人がいれば、指導者も安心して曲を進めていける、というわけです。

また指導者側からすると、これは本当にありがたいことなんです。指導者が全てのパートを歌っているわけで、わかりやすく言うと、指導者の歌う量はクワイヤの3倍（ソプラノ、アルト、テナーを全部歌うと）、という事になります。もう必死です。でもパートごとに誰かがリードしてくれて、メロディーを伝えてくれる人がいれば、指導者の負担もかなり楽になります。

譜面は、基本的に使いません

これは私だけではなく、たくさんの指導者がそうなのですが、ゴスペルの指導をする際に、クワイヤのメンバーに譜面を渡す、ということはあまりありません。

先ほどお話したアメリカでのワークショップの場合では、期間が決まっていて、この期間に多くの曲を仕上げなければいけない、という条件がありましたので、譜面もしっかり渡されました。

まあ、この譜面があれば、ワークショップが終わっても持って帰って自分の教会で習った曲を歌える、という意味も含まれているので、これは譜面が必要なシチュエーションですね。

譜面を使わない理由

私が、人生で一番最初に参加した横田米軍基地でのゴスペルのワークショップでは渡されたのは歌詞カードのみ、譜面はいっさいありませんでした。なので、私もまた指導する際には譜面はなるべく渡さないで、歌詞カードのみ渡すようになりました。

私自身が歌の指導者になってから、さすがにピアノも練習して、譜面も多少読めるようになったものの、未だに譜面で、初見で歌う、というのは苦手です・・というか、できないです。。

しかし、譜面で覚えるより、耳で覚える方のが覚えが早いですし、忘れにくいですね。譜面があると、譜面ばかりに頼ってしまい、それがないと歌えない、という状況に陥りやすいです。また譜面を追っていく、という手間がはぶけるので、その分歌の内容に集中して練習することができます。

また指導する側もそちらのほうがやりやすいんです、譜面があるとそればかり見ていて、指導者をあまり見てくれないですから。。（汗）

パートリーダーに挑戦してみよう

ということで、譜面が読めれば読めるに越したことはありませんが、パートリーダーになるのに、譜面を読める必要はありません。自分のメロディーがしっかりと覚えられていて、人にも教えられるぐらいであれば、それで十分なんです。

また、パートリーダーとして人に教える立場になると、その人自身がいろいろな学びになって成長につながると思います。ぜひゴスペルのクワイヤに所属していらっしゃる方は、一度パートリーダーにも挑戦してみて下さい。

他のパートとのハーモニー、音の絡み合いが美しいのがゴスペルの魅力でもあります。最近のゴスペルはおしゃれなアレンジをされているものが多く、その分ハーモニーも複雑なものが少なくありません。この複雑さがまたかっこよさを生み出しますよね。

ただ、たいがいがメインのメロディーパートであるソプラノ以外の、アルトパートやテナーパート、このパートを歌うのはけっこう大変です。大変なだけに、自分のパートばかりに集中して他のパートとの兼ね合いを無視して歌っていると、いくら音程的に合っていても全体的にサウンドしない、という事になりかねません。

今回は、各パートがまとまって一つのサウンドを作っていくためにどうしたらいいか、という事を考えていきたいと思います。

他のパートとの音としての絡み合い

一番は、自分のパートの音程を覚えるのが先決です。迷わずに歌えるようにまず覚えてしまいましょう。

そして次にすることは、他のパートとの兼ね合いがどうなっているのかを確認することです。まずはメインのメロディーであるソプラノパートと合わせて歌ってみます。特に難しいハーモニーの所はしっかりメロディーの音を聞きながら歌うようにしましょう。

そうしてソプラノとアルト、ソプラノとテナー、と、二声ずつで確認してみてください。さらに時間に余裕があれば、アルトとテナーだけを合わせてもいいですね。ハーモニー部分だけではどのようになるかを確認すると、メインのメロディーが重なった時にもっと安定して歌えるようになるでしょう。

曲のパーツごとに合わせていく

焦らず、この作業をAメロ、Bメロ、サビと、ひとつずつ区切って確認していきましょう。この作業をすることで、他のパートの音をお互いに確認する良い機会になります。

一つ一つ確認したら、1曲分をつなげて歌ってみましょう。1曲を通して歌うことで見えてくる部分もたくさんあります。前回の記事でも紹介したように、強弱をつけるところ、言葉をはっきり出したいところ、歌い出しが揃えにくいところ、そういったところを気づいたらどんどんその部分を取り出して練習していきます。そのように、1つずつ積み重ねて一つの曲を作っていくようにしてみてください。

ここで心がけていただきたいのが、一つのパートだけが突出しない、ということです。人数によってもばらつきが出てしまうことは仕方がないですが、最低限、互いのパートの声が聴こえるような状態で歌えるよう心がけましょう。

またパートごとにまず一つの声を作っていくことも大事です。パートの中で自分の声が変に突出しない、ということを心がけて下さい。まわりに教えようとして、わからない人に聞こえるように、という配慮で大きな声で歌う、という事もあるかもしれませんが（これはとても良い心がけですよ！）、それでもまわりの声とブレンドさせる事は可能です。

自分の声が、まわりの同じパートの仲間の声としっかり混ざっている声を心がけるということです。声が混ざりやすく、というのと、声を小さくする、ということはイコールではありません。

例えば、私がクワイヤの中に混じって歌う時、私はかなりの声量を出して歌います、それはそのパートの声の雰囲気、私のイメージしているパートの音をみんなに聞いてほしいからです。でも、自分の声だけが突き抜けてしまうような歌い方はしないですね、反対にパートのみんなを大きく包むようになイメージで歌っています。しかしこれって、ソロで歌う時よりも、もっとエネルギーを使うんですどね。。（汗）

自分の声をまわりと混ざりやすくするために

自分の声ばかりが目立ってしまうような雰囲気が感じられた場合、どうすればいいのかというと、声に少し息を混ぜて歌うんです。はひふへほの発音がわかりやすいですね。息が少し混じった発音です。歌い出しの時にすこし息を混ぜてみる、あ、という発音だったら、は、に近い音にしてみる、などしてみてください。

これは、息を吐く、という意味ではありませんよ、そうするとすぐに息が足りなくなって歌えなくなってしまいますからね。あくまでも発音のちょっとした工夫でこうすることができる、という事を覚えておいて下さい。