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テンポの早い曲をどう歌うか

発声に重点を置いてレッスンするときには、たいがいメロウな、ゆったりとした曲を使うことが多いのですが、

時にはテンポの早い、また言葉数も多く、忙しい歌を歌うこともありますよね。そういう曲は、正直、発声の細かいことを意識して歌っている余裕はありません。

(はい、私も同じく、です。。)

テンポの早い曲、言葉数の多い曲は、歌えたらかっこいいですが、やはり、けっこう難しいものですよね。どうしても曲についていこうとして、焦ってしまい、安定性に欠ける歌になりがちです。しかし、ちょっと視点を変えて曲を捉えると、そういった焦った感を感じなくとも、スムーズに歌うことができるようになります。

まず、からだがしっかりとその曲のテンポを刻むことができていれば、歌はそれに乗っかって歌うだけでいいので、歌の安定感が格段に違ってきます。またそれにともなって余裕も出てくれば、あせって歌うよりももっと声が出しやすくなるはずです。

ということで、今回は速いテンポの曲を歌うための、オススメの練習方法をご紹介します。

 

テンポの速い曲は、どうリズムを捉えるかがキー

まず、テンポの早い曲は、どうリズムをからだでとるか、が、鍵となります。

からだでリズムを感じる、という練習は以前とりあげましたので、そちらを参考にしてみて下さい。

 

自分の課題としている速い曲、まずは曲のリズムをからだで感じるように、曲に合わせてからだを動かしてみましょう。

|1,2,3,4 | 2,2,3,4 |・・・

まずは、どちらか片足でけっこうですので、つま先でタップして、リズムを確認します。

確認できたら、からだをそのリズムに合わせて左右にゆらしてみます。

左、右、左、右、
1,2,3,4

慣れるまで、この左右を続けてみて下さい。

わかりやすいように、ここでは数字を入れていますが、あまりかっちりとはリズムを捉えたくないので、数は数えなくていいです、ただ曲を聞いて、感じたままに左右にからだをゆらしてください。

それに慣れてきたら、そのテンポを倍の長さで取ってみます。

具体的には、同じテンポのまま、このようなからだの動きになります。

左、左、右、右
1,2,3,4,

このからだの動きに合わせて、からだを上下に少しバウンスさせながら、リズムをとってみて下さい。からだのバウンスでなくとも、頭を前後に少しゆらす程度でも、リズムを感じることができますね。

最初の、一拍ごとに左、右、とやっていた時よりも、忙しくなく、少しゆったりめにリズムを感じられるんじゃないでしょうか。そのテンポにからだがリラックスできるまで、この動きを続けてみて下さい。

 

リズムは縦よりも横に感じよう

からだの動きにバウンスを加えることによって、以前にも取り上げた、グルーブ感というのが感じられるようになってきます。

バウンスをからだで感じながら、左右にからだを揺らせる時に、こんな風にイメージしてみて下さい。

からだが左に行った時には、左側にからだが引っ張られている・・

ぎりぎりまで左側に引っ張られていて・・

その反動で右側に移動、右側にからだが引っ張られて、その反動で・・

また左に戻る・・みたいな感じでしょうか。。

言葉で表現すると、粘っこいリズム、とでも言いましょうか。。

リズムは決して直線じゃないし、数字では割り切れない、曲線を常に描いている、そんなカンジがするんですよね。それがグルーブ感につながるんだと思うのです。

まぁ、このリズムの感じ方も人それぞれがあると思いますので、それはご自由に感じていただきつつ、

まずは、速いテンポであればあるほど、リズムを大きくとらえていく、からだでその大きなリズムを感じながら動けるようになると、焦らなくても歌はついていくことができます。

 

からだが慣れてきたら、言葉をそのリズムに合わせる

からだがその曲のリズムを捕らえることができたら、今度はそのリズムに歌詞のリズムを乗せていく練習です。

まずは歌詞のみ、メロディーを付けず、言葉のリズムを感じながら読んでみて下さい。テンポが早すぎるならばゆっくりから始めましょう。そして先ほどやった、からだでリズムを刻みつつ、歌詞をそのリズムに合わせながら読んでいきましょう。言いにくい所はそこだけ繰り返し練習して、口が慣れるまでやってみてください。

そして、それにも慣れてきたら、最終的にメロディーを付けて歌ってみます。

歌でリズムを取ろうとせず、からだでリズムを取って、そのリズムの上に歌を乗っけるような気持ちで歌ってみて下さい。絶対に、歌の安定感が変わってきますよ。

 

グルーヴ感について

グルーヴ、と一言で言っても、人によっていろいろと捉え方があるようです。ドラムの人が感じるグルーヴと、ギターの人が感じるグルーヴ、ピアニストが感じるグルーヴ、やっぱりそれぞれあるのかもしれません。

(グルーヴと聞いて・・・Earth wind and fire を思い出した人!私と同世代ですね(笑))

と、ここで、Wikipediaではグルーブをどのように言っているのか、見てみましょうか。

“グルーヴ(groove)とは音楽用語のひとつ。形容詞はグルーヴィー(groovy)。ある種の高揚感を指す言葉であるが、具体的な定義は決まっていない。語源は(アナログ)レコード盤の音楽を記録した溝を指す言葉で[1]、波、うねりの感じからジャズ、レゲエ、ソウルなどブラックミュージックの音楽・演奏を表現する言葉に転じた言葉である。現在は、素晴らしい演奏を表す言葉の1つとして、ポピュラー音楽全般で用いられる。
グルーヴを構成する要素としてはリズムやテンポ、シンコペーション、アーティキュレーションなどが挙げられ、主にリズム体(ベース、ドラムス、パーカッションなど)を対象とした概念である(例:グルーヴィーなドラミング、など)。「ノリ」(乗り)を表す言葉である。ジャンルによって感じるグルーヴは様々で、グルーヴ感の会得は、演奏者にとって必要不可欠な要素のひとつである。”

https://ja.wikipedia.org/wiki/グルーヴ

 

ということで、やはり・・・具体的な定義は決まってないんですね〜。でも、音楽にはこのグルーヴ感はなくてはならない存在です。機械には出せない、それぞれ特有の特徴を表すことができるのも、このグルーヴ感があるかどうか、だとも言えると思います。

いずれにしても、リズムを生み出す楽器に関して、特にこの”グルーヴ感”という言葉が当てはまりそうですね。

ここでは特に、歌う時に感じるグルーヴ、というのを中心に、私が個人的に感じている観点で、見ていきたいと思います。

私は、実はもともとバンドでドラムを叩いて演奏していました。ですので、リズムには結構うるさい方だと思います(笑)

 

グルーヴはバスケットボールのドリブル(のイメージで)

歌は、基本的にメロディーなので、音楽の構造から言ったら「ウワモノ」なのですが、やはり歌がリズムを感じているのとそうでないのとでは、その音楽全体が、全然違う仕上がりになってしまうわけですね。

逆に言えば、歌のメロディーと、言葉のリズム、息継ぎの息遣いでグルーブ感を表すことが可能だと思っています。

で、私が感じているグルーブ感というのは・・・形で言うと、円、もっと具体的に言うと、縦長の楕円形です。

例えば、バスケットボールをドリブルしている時、ボールが地面にヒットする時に速度が速まり、その反動でボールは中に上がっていくわけですが、その上に上がっている時の速度は少しゆっくりになりますよね・・・そんなイメージなんです。

そしてドリブルを続けている限り、ボールが地面にヒットする感覚は一定で、その音もリズムを刻んでますよね。

そのリズム、地面にヒットする音と音の間にもボールは空中にあり、目にも見えています、当たり前ですがボールは消えはしません。ボールが上下に動きながら一定のリズムを刻んでいる。

同じようにリズムは音と音のあいだにも存在していて、もっと具体的に言うと、一拍と一拍のその間という事になりますが、そのヒットしている点と点だけではなく、点と点のあいだの感覚をしっかりと感じるのがグルーヴだと思ってるんです。

そして、その一拍と一拍の間の線というのは、決して直線ではなく、曲線で、しかも一定のリズムを刻んでいるので、それが楕円という形になって、途切れることなくずっとリズムは続いていく・・そんなイメージがあります。

 

感じていればグルーヴが歌に自然と表れてくる

歌にグルーヴ感が出てくると、曲全体の「躍動感」がさらに増します!伴奏だけじゃない、歌も一緒にグルーブを感じ取り、それにしっかり乗っかっていれば、全体のグルーヴ感をさらにイキイキとしたものにします。

しかもウワモノですから、音楽の構造としては最前線に歌は来るわけです。歌がその曲のストーリーを作っていきますから、曲全体がただの音の集まり、から、メッセージ性をもった生きたものになっていくわけですね。

と言っても、実際に歌っているときにはほとんど何も考えず、歌っていることのほうが多いのですが。。(汗)

 

自分のからだで、まずは感じてみよう

ということで、まずは自分のからだでリズムを感じるようにしてみましょう。

先の記事で、からだでリズムを刻むために、音楽に合わせて足で踏んでいただいた4分音符。この4分音符を点、ではなく、ぎゅーっと地面を踏みつけてもらうことによって、そのステップ=点から、次のステップの点にいたるまでの間を感じてほしくて、ぎゅーっと踏みつけてもらいました。

音符と音符との間の空間、これをなるべく大きくとらえていくことが、グルーブ感を生み出すポイントだと思います。そんなことを考えながら感じながら、リズムをからだで刻んでみて下さい。

リズムをからだで感じよう

どの音楽にも必ず、リズムがありますね。これはどんな楽器でも一緒です。リズムがあるから音が生きてきます。

歌にリズムがあるかないか、これは大きな違いを生み出します。

ということで、ここではリズム感に関してふれていきたいと思います。

リズムはからだで感じるもの

歌うときにはもちろん、リズム感は大事です。歌の伴奏で刻まれているリズムに乗っかって、そのリズムの抑揚を感じながら、歌も自然とそのリズムにはまって、歌と伴奏とが一体となって音楽が奏でられている・・それが歌う時の醍醐味でもありますよね。

そのリズムって、どこで感じていると思いますか?

頭で考えて出て来るのがリズムだと思いますか?

違いますよね、リズムはからだで感じ、からだで刻むものです。

歌っている時に、リズムを意識して歌うことってあまりないかもしれません、が、リズムがしっかりからだで刻まれて歌っているのと、そうでないのとでは、歌の安定感が変わってきます。

これも筋肉と同様、やればやるほどからだで覚えていくものなので、ぜひこのリズムもからだに取り入れていきましょう。

 

音楽に合わせてリズムを刻む

まず、何かご自分の好きな音楽で、少しゆったりめのリラックスできる曲を選んで下さい。

立った状態でその曲を聞きながら、まずはからだを左右に揺らしてみましょう。簡単ですね?すでにからだはリズムを感じて動いています。

その次に、今度はどちらか片方の足でリズムを刻みます。つまさきを上げて、下ろして、と音楽に合わせて、足でリズムを刻んで下さい。

それに慣れてきたら、今度は両足で足踏みするようにリズムを刻みます。その時に、音楽から聞こえるリズムと、自分の足のステップがピッタリ一緒になるように意識してみて下さい。音楽のリズムと自分の足できざんでいるステップとに、一体感が感じられるようになるまで続けます。

意識していただきたいのが、足の裏でしっかりと地面を踏みつけているのを感じることです。力はいりません、足裏で地面をぎゅーっと踏みつけ、自分の体重が地面に浸透していくのを感じるつもりで、しっかりと足踏みしてみましょう。その足踏みがリズムの*グルーブを作っていきます。

*このグルーブについては、次の章でしっかりと見ていきますね。

この時、リズムは自然と、4拍子の曲なら4部音符のところにあるはずです。最初は4部音符が感じられるようになる曲を選ぶのをおすすめします。

 

バウンスを加え、さらにリズムを作ってみます

さらに慣れてきたら、そのステップを踏みながら、からだを上下にバウンスさせてみましょう。この上下は8部音符のところになるはずです。

上下をアップ・ダウン、と言い換えると、足を踏んだ時にダウン、アップ、次の足を踏んだ時にダウン、アップ、と一つのステップに2つ、リズムが重なりました。これが、ダウン・ビートです。

それに慣れてきたら、ダウンアップを逆にしてみましょう。ちょっとこんがらがっちゃうかもしれませんが、慣れれば簡単です。

足を踏んだ時にアップを先にしてダウン、次のステップでまたアップしてダウン、これがアップ・ビートですね。

アップダウンをするのに、わからなくなちゃったら、足踏みをやめて、からだの上下だけで、リズムを刻んでみましょう。そのリズムを刻みながら、徐々にステップを踏んでいけば、自然にリズムの感覚がつかめると思います。

ダウン・ビートなのか、アップ・ビートなのか、は、ご自分で曲を聞いてみて、その感じるままにやっていただければ結構です。どれがダウン・ビートで、アップ・ビートなのか、というのは決まってるわけではありません。自分が、その音楽にのりやすいパターンが正解だと思って下さい。

 

大きくリズムを捉える

それと、早いテンポの音楽であればあるほど、大きくリズムを捉える、ということも大事になってきます。リズムが早いと、どうしても歌を合わせるのに焦ってしまって、安定感にかけてしまうものなんですよね。逆にリズムを大きく捉えると歌の安定感が増します。これは、また別の話になってしまうので、そんな捉え方がある、ということだけ頭の隅に置いておいて下さい。

いずれにしても、リズムは頭で考えるとこんがらがっちゃいます、まずは音楽に耳を傾けて、そこで流れているリズムのサイクルに合わせて、ビートをからだで感じてみましょう。

その上でからだを上下にバウンスさせたり、ステップを踏んだりして、自然の流れに任せてみて下さい。まずは、からだでリズムを感じることが大切です。

ひとつの声、ひとつの心

ゴスペルをある程度の人数で歌う場合、もちろん技術的な歌い方も大切ですが、その前に一番大切なのは、そのグループ全体が、一つの声として聞こえている、ということです。ここをおそろかにしてはいけません。

複数の人数が、みんなばらばらで、声が突き出てしまう人が何人かいる、というのは、なんともサウンドしづらい状態なのです。

これを、突き出ている人たちを個別に特定して、「もう少し小さくして」という事も可能ですが、そのように「重箱の隅をつつくような」やり方ですと、今度は歌っている側が、どんどん萎縮してしまう・・・という残念な結果になってしまうかもしれません。。

でも、この問題は特に、自主で練習を重ねているグループには切実な問題だと思います。

こんな時、どのように練習をしたら良いのか、そのポイントをまとめてみましょう。

 

クワイヤの各パートで、まずサウンドを作りましょう

私がよく、練習の時に使う方法があります。

メンバーで輪になって歌う、という方法です。お互いの顔も見れますし、声もお互い聞きやすくなりますね。

全体でいきなり、というと、大変になってしまうので、まずはパートごとに、ソプラノ、アルト、テナーそれぞれで輪になって歌ってみましょう。このときは全体で合わせる必要がありません、その各パートで合わせればOKです。

私の指導する際には、これを全てのグループが同じ空間で同時進行で行ってしまいますが、これはかなり大変です。

もし場所的に余裕があれば、互いの声がじゃましないように、別の部屋、もしくは少し離れた場所へそれぞれ移動する方がいいですね。

あるいはパート練習のための日を別に設けてもいいかもしれません。

そのパートメンバーで歌う時に、輪になって、まず、みんなの声をその輪の中心に集めるように個々人が意識してみて下さい。互いの声が、折り重なっている状態をイメージすると、よりわかりやすいと思います。

そのとき、互いの声をしっかり聞くよう意識して、自分の声が周りにブレンドするように歌ってみましょう。これは声を小さく、という意味ではありません、周りにうまく混ざるように意識すると、自然と歌い方も変わってくるはずです。

 

次に、全体で一つの輪を作って歌ってみる

パートごとに声が一つに固まってきたら、今度は全体で同じように作っていきます。

余裕があれば、全体で輪になりましょう。余裕がなければ、2〜3列になって半円になってもいいですね。とにかくお互いの声が聞こえる体制を作ります。

そしてその声を、全体で1箇所に集めるようにして歌ってみて下さい。大きな輪なら、輪の中心、半円ならば、半円の中心です。

半円ですと、例えばコンサートの時など、舞台で歌う場合でもこのやり方で歌えますね。

今度は、お互いの別のパート同士で、同じように声を混ぜるようにして歌ってみます。どこかのパートが突出して大きな場合は、こうして歌うとすぐにわかります。

また自分のパートを歌っていながら他のパートが聞こえない場合は、パートの数を減らしてみましょう。聞こえないパートと自分たちのパートの二声で、まず合わせてみる、そして互いに聞こえるようになってきたら全体を合わせて、もう一度確認するといいでしょう。

 

メンバーの誰かが、音頭を取って行きましょう

このような、自主的な練習ですと、パートごとになった時に、みんな、誰かが声をかけてくれるのを待ってしまいがちですね。そうなると、ずっと待ったままになってしまえば、例えば限られた時間であれば、大変な時間的ロスになってしまいます。

ここではぜひ、誰か慣れている人、音頭を取ることが得意な方が率先して声をかけてください。また、パートリーダーがいれば、リーダーの方がどんどんメンバーを引っ張っていきましょう。

パートごとの連帯が強まれば、クワイや全体の力量がどんどん底上げされていきますよ!

 

サウンドが一つになった時に、互いの心の距離が縮まります

こうして全体が一致すると、言葉も自然に一致します。大人数が全体で一つの声、一つの言葉となっていくと、心に余裕が出てきて、その曲の歌詞の意味もどんどん明確になっていきます。そうなると、歌っている言葉の重みが違ってきますね。

歌詞の意味を、歌を通して、メロディーを通して、全体が共有していることになります。

そうなれば、声だけでなく、歌っているその気持まで一つになっていくでしょう。そうなると、その歌声の響きはどれだけ深みを増すか・・それは計り知れませんね。

こうなった時に、メッセージがメッセージなだけに、ゴスペルの歌というのは大きな大きな力を持つようになるんですね。

譜面にしばられないゴスペル

歌詞カードだけがゆいいつの資料

私が一番最初にゴスペルを体験したのは、1995年、東京にある横田空軍基地の中にある教会でした。

会場に入ると渡されたのは歌詞カードのみ、譜面は一切ありませんでした。そしてその場で、ディレクターである女性の牧師さんが、小柄ながら力強い声で各パートのメロディーを歌い、私たちは聞いたそのままを、歌詞カードを見ながら何度か歌って、その場で聞いたメロディーを耳で覚えながら進めていく、という方法でした。

私にとっては初めてのことで、最初はただ周りの人のまねをしながら付いていくのに必死でしたが、流れがわかってきたら、ついていくのもだんだん慣れていきました。

期間は1週間ほどありましたが、後半になると、もうだいたいの課題曲はみな歌えるようになっているわけですが、曲に会衆が慣れてくれば来るほど、その曲の意味していること、またはちなんだエピソードなど、話しや歌う上での心づもりみたいな事が、どんどん指導者によって与えられるわけですね。そうやって歌うだけじゃなくて、気持ちの面でもだんだん指導者と会衆が一緒になってくると、その指導者の感じている空気によって、同じ課題曲でも構成がその時によって変わっていくのです、それも自然な流れで。

バックで演奏しているミュージシャンもそこらへんは心得ていて、いとも簡単に、自然な流れで演奏を合わせていました。そこに、「譜面」という枠組みはもちろんありません。

 

歌詞だけのほうがベターです

その後、今度私が指導する立場になっても、同じやり方で指導するようになりました。

譜面は基本的にメンバーには渡しません、歌詞のみです。私が最初戸惑ったように、このやり方に戸惑う人も少なくないと思いますが、慣れてくると、このやり方が一番早くて、覚えると忘れないのです。次第に歌詞も見ないで歌えるようになります。

逆に譜面で覚えると、不思議と、譜面がないと歌えない、という状況になってしまうんですね。さらに譜面が長く長くなってしまうと、今度は譜面をフォローするだけで忙しくなってしまい、曲の全体像も見ることが難しいんじゃないかな、と思います。そうなると、指導者と気持ちの共有するのはもっと難しいですよね。

 

演奏中どこにでも行けるフレキシブルさが重要

また、ミュージシャンがいる場合、ミュージシャンもその場で、指揮者の指揮に対応するために、つねに指揮者を見てもらっている必要があるのですが、これが譜面どおりに行く(はずだ!)、という前提ですと、そこのコミュニケーションがうまく図れず、うまくいきません。譜面ではこういう指示となっているから、ちがう構成になったら対応できない、という状況になってしまうんですね。

しかし、ゴスペルとはスピリチュアルな要素が大きくある音楽なので、指揮者や歌い手、その歌われている会場のその場の雰囲気や流れ、次第な部分が重要なのです。

構成が最初からばっちり決まっていて、あまりそういった「あそび」の部分がない曲や、カラオケを使う場合などは問題ないのですが、

例えば、この箇所をもう一回繰り返したい、この箇所にもう一回戻りたい、この箇所は歌を休んで楽器だけにして、歌い手は静まりたい、または、エンディングの繰り返しの回数を決めずに、指揮者のキューで終わりにしたい、という、その場の流れでどこにでも行けるようなフレキシブルさが、時に必要なのですね。そこの理解がないと、なかなか譜面通りには行かないゴスペルを一緒に演奏するのは難しいのです。

クワイヤは、常に指揮者を見て、その指揮で歌がどのように進んでいくのかを見ることが簡単にできるので、あまり問題ないのですが、楽器の演奏者がいる場合は、特に気をつけて、この内容を伝えないと、演奏中の意思疎通は難しいです。

盛り上がる所、盛り下がる所、何をフューチャーさせたいのか、はたまたなぜここで静まりたいのか、という感情の流れをくんでくれるミュージシャンというのは、なかなか難しいところがあります。

そういう意味で、”あうん”の呼吸でできる、言わなくてもわかってくれるミュージシャン、というのは本当に貴重です。長年一緒にやってきて、失敗もいろいろ積み重ねながらやってきたミュージシャンとの演奏は、なにより安堵感、安心感が違いますね。

 

譜面は基本的なインフォメーションにすぎない

譜面は、ある程度の基本的なインフォメーションに過ぎず、出たとこ勝負で、演奏がいったん始まってしまったら、その場の流れを読んで、指揮者の出したサイン次第でどうにでも形が変わっていく、というスタイルは、ゴスペル特有のことかな、と思いますし、その要素を理解してくれるミュージシャン、シンガーは本当に貴重です。

ゴスペルを演奏したことのあるミュージシャンの方々、あなたはとても貴重な存在ですよ!

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